Teatro: «Danza macabra», de August Strindberg.

Por Claudia Ferradas.

Danza macabra, el gran clásico del dramaturgo sueco August Strindberg, vuelve a la escena porteña en el teatro Regio, con excelentes actuaciones de Leonor Manso, Antonio Grimau y Gustavo Pardi.

La obra, que abrió las puertas al teatro expresionista en umbral del siglo xx e influyó, entre otros, a Edward Albee en Quién le teme a Virginia Woolf y a Ingmar Bergman en Escenas de la vida conyugal, no ha perdido su vigencia. ¿Qué tortuosos vínculos se constituyen en un matrimonio que ha convivido durante muchos años? ¿Hasta dónde podemos llegar en la manipulación del otro?

La versión libre de Analía Fedra García se enfoca en el triángulo entre los esposos y un primo que los presentó años atrás y vuelve a visitarlos en ocasión de sus bodas de plata. El visitante se encuentra envuelto en una serie de conflictos que afloran entre los cónyuges. Se desarrolla así un crescendo de emociones que oscilan entre el amor y el odio, recorriendo miedos en los que nos reconocemos.  

La escenografía, la iluminación, la música y el colorido vestuario resaltan el movimiento de los actores sobre el escenario, por momentos coreográfico, que remite a una verdadera danza macabra tragicómica donde cada paso nos recuerda la ineludible presencia del tiempo que conduce a la muerte.

Opinión: Muy buena.

Ficha técnico – artística

Autor August Strindberg
Traducción del sueco al alemán Emil Schering
Traducción del alemán y versión libre de Analía Fedra García

Elenco
Leonor Manso
Antonio Grimau
Gustavo Pardi 

Músico en escena 
Gustavo García Mendy

Coordinación de producción Julieta Sirvén, Catalina Telerman
Producción técnica Mariano Fernández
Asistencia de dirección Cecilia Acosta, Mauro Oteiza
Asistencia de escenografía Lara María Treglia

Asesoramiento corporal y coreografía Juan Pablo Sierra 
Música original y diseño sonoro Gustavo García Mendy
Diseño de iluminación Marco Pastorino
Diseño de vestuario Paula Molina
Diseño de escenografía Rodrigo González Garillo

Dirección Analía Fedra García

Datos de interés

TEATRO REGIO
Avda. Córdoba 6056 
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4772-3350
Web: http://www.complejoteatral.gob.ar
Entradas desde: $ 180,00 – Miércoles – 20:30 hs – Del 18/09/2019 al 12/11/2019
Entradas desde: $ 180,00 – Jueves – 20:30 hs – Del 19/09/2019 al 13/11/2019
Entradas desde: $ 180,00 – Viernes – 20:30 hs – Del 20/09/2019 al 14/11/2019
Entradas desde: $ 180,00 – Sábado – 20:30 hs – Del 21/09/2019 al 15/11/2019
Entradas desde: $ 180,00 – Domingo – 20:00 hs – Del 22/09/2019 al 16/11/2019

Teatro: «Pájaro de barro», de Samuel Eichelbaum.

Por Cecilia Della Croce

TW: @cecidepalermo – IG: @cecidepalermook

Samuel Eichelbaum fue un escritor y dramaturgo argentino, hijo de inmigrantes, cuya obra data de la primera mitad del siglo 20. En Pájaro de barro, estrenada originalmente en 1940, su mirada rescata personajes de la Argentina de esa época, un verdadero crisol de razas, a través del encuentro entre un escultor hijo de española e italiano (Juan Antonio, interpretado por el siempre sutil Daniel Hendler) y una joven humilde que trabaja en el campo (Felipa, a cargo de Lucía Tomas).

Lo que hace que esta pieza tenga vigencia y no se convierta en un melodrama pasado de moda (al mejor estilo novela de la tarde tipo Rosa de Lejos) es cómo ahonda en el pensamiento femenino, especialmente en la esencia de la protagonista, que se aleja del estereotipo de la pobre chinita que busca marido y se acerca a heroínas que recuerdan a Ibsen, Chejov o Lorca, elemento subrayado gracias a la adaptación y dirección de Ana Alvarado. Felipa es una mujer moderna en el sentido de que a fuerza de amor propio se las arregla para vivir su vida más allá de lo que le marcan las costumbres de su tiempo y los mandatos de su entorno.

La puesta reivindica el espíritu literario de la obra a través de un narrador, que presenta las escenas, muy bien resueltas desde la escenografía y la iluminación. En cuanto a las actuaciones, el aspecto costumbrista que el autor plasma a través del uso del lenguaje y los acentos, particularmente en Doña Pilar y Felipa se convierten en un escollo a resolver: una bien plantada Marita Ballesteros sale adelante con oficio y fuerza. En el caso de Lucía Tomas, protagonista que proviene del off (Viendo Morir a Gloria), su physique du rol y su presencia escénica la acercan a la intensidad velada y al orgullo de Felipa, casi hermana de la “María” de la siesta litoraleña de Tarragó Ros, aunque tal vez le falta pulir un poco ciertos tonos y matices en algunos pasajes de la obra.

Los roles secundarios (particularmente Celeste Gerez como Ovidia y Jesús Catalino como Heriberto en la escena de la presentación de la novia en la estancia) están muy bien jugados y aportan un interludio cómico, contrapeso necesario para la carga dramática que conlleva el conflicto central de una mujer que no se deja moldear como un “pájaro de barro” y antepone su libertad al amor romántico, aunque sus decisiones sean dolorosas e impliquen pertenecer a “una casta que alumbra huérfanos”.

Calificación: Buena

FICHA TÉCNICA
Elenco (por orden de aparición)
Presentador, Novoa: Mariano Mazzei
Felipa: Lucía Tomas
Juan Antonio: Daniel Hendler
Ovidia: Celeste Gerez
Doña Celia, Silvina: Valentina Veronese
Atanasio, Heriberto: Jesús Catalino
Don Melitón, Vicchi: Ernesto Claudio
Doña Pilar: Marita Ballesteros

Autor: Samuel Eichelbaum
Adaptación: Ana Alvarado
Coordinador de producción CTBA: Galo Ontivero
Producción técnica CTBA: Emilia Martínez Domina
Asistente de dirección CTBA: Cecilia Acosta
Asistente de iluminación: Verónica Lanza
Asistente de vestuario: Marcos Di Liscia
Asistente de escenografía: Juan Bautista Selva
Realización y montaje de video: Leandro Pérez
Música original y diseño de sonido: Gustavo García Mendy
Iluminación: Malena Miramontes Boim
Vestuario: Lara Sol Gaudini
Escenografía y diseño multimedial: Diego Siliano
Dirección: Ana Alvarado
Duración: 100 minutos
Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA) – Teatro Regio – Córdoba al 6000

Teatro: «Madre coraje», de Bertolt Brecht.

Hay un viejo dicho que postula que los clásicos de la literatura deben ser traducidos por cada generación para que mantengan su potencia y su vigencia, y podríamos decir que esto es aún más verdadero en el caso de la dramaturgia. El teatro es un hecho vivo y el Complejo Teatral de Buenos Aires se encarga de reeditar los grandes nombres como Shakespeare, Ibsen o Brecht, que engalanan la cartelera de nuestra ciudad. Brecht, autor alemán de la primera mitad del siglo XX, escribió esta obra durante su exilio en Suecia, cuando huía de la Alemania nazi hace casi 80 años, y su descarnado alegato contra la sinrazón de la guerra tiene la actualidad y la vigencia de esos clásicos que hay que volver a poner en foco siempre.  

Madre Coraje llega al escenario del bello Teatro Regio de la mano de José María Muscari, a cargo de la dirección, y como siempre, la apuesta es jugada y dispuesta a generar un impacto en el público con algunos recursos que pueden resultar disruptivos pero que se proponen revitalizar el mensaje. Si bien por momentos hay una excesiva preocupación por acercarnos el mensaje del autor con bajadas a tierra en pasajes de los parlamentos que parecen tratar de explicitar su conexión con la coyuntura argentina y resultan un poco chocantes, y hasta en algún sentido contraproducentes, un acierto del director es usar un cuerpo de bailarines que encarnan a los soldados que, a modo de coro griego, irrumpen vestidos con atuendos sadomasoquistas (recuerdan el tono del maestro de ceremonias en el musical Cabaret) y con coreos violentas y luces estridentes nos recuerdan que sus trajes solo disfrazan las atrocidades de la guerra que acecha como telón de fondo de estos personajes, especialmente esta mujer, una comerciante que recorre los caminos con sus hijos y un carromato con mercaderías. 

Otro acierto es la elección del elenco, en particular las mujeres: Silvina Bosco (la cocinera), Natalia Lobo (la puta), Iride Mockert (excelente en el difícil papel de la hija, mudo testigo del devenir de la comedia picaresca que se transforma en drama), y la impresionante Claudia Lapacó como protagonista, con un dominio absoluto del centro de la escena, donde deja todo su oficio en una actuación memorable, interpretando a esta madre que pierde todo y solo atina a aferrarse a su desvencijado carro cargado de la filosofía cruel de sobrevivir a cualquier costo.

TEATRO con mayúsculas, que como buen clásico nos invita a reflexionar y aprender las lecciones de la historia para que la tragedia humana no se repita.

Calificación: Muy buena

Cecilia Della Croce  – TW: @cecidepalermo/ IG: @cecidepalermook 

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Ficha técnica- artística

Autor Bertolt Brecht
Traducción Miguel Sáenz Sagaseta

Dirección José María Muscari

Elenco (por orden de aparición)
Héctor Díaz
Emilio Bardi
Claudia Lapacó
Esteban Pérez
Agustín Sullivan
Iride Mockert
Silvina Bosco
Natalia Lobo
Osvaldo Santoro

Coro de varones / Cuerpo de baile:

Braian Bre, Nicolás Iturbide, Lucas Mariño, León Ruiz, Julián Ignacio Toledo, Miguel Valdivieso

Coordinación de producción (CTBA) Federico Lucini, Julieta Sirvén
Producción técnica (CTBA) Matias Ledesma
Asistencia de dirección (CTBA) Rosana Rodríguez, Martín Ferreyra
Asistencia artística Paola Luttini
Selección musical Guillermo Salvador
Diseño y puesta de sonido Iván Grigoriev
Coreografía Luis Biasotto
Iluminación Marcelo Cuervo
Vestuario Magda Banach
Escenografía René Diviú

Donde y cuando

Teatro REGIO
Avda. Córdoba 6056
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4772-3350
Web: http://www.complejoteatral.gob.ar
Entradas desde: $ 140,00 – Domingo – 20:30 hs
Entradas desde: $ 100,00 – Jueves – 21:00 hs
Entradas desde: $ 140,00 – Viernes y Sábado – 21:00 hs

Teatro: «Un enemigo del pueblo», de Henrik Ibsen.

La temporada 2018 del circuito del Complejo Teatral de Buenos Aires está brindando a sus espectadores, una serie de puestas de una calidad que hace honor a los escenarios porteños.
Complejas, bien dirigidas y con elencos de gran potencia, obras como “Las amargas
lagrimas de Petra Von Kant”, “Miedo” y “El casamiento”, solo por mencionar algunas,
sorprenden e interpelan al público que accede, por un precio módico, a un espectáculo de primer nivel, algo que se agradece en una plaza teatral abarrotada de propuestas.
El pasado 14 de abril se brindó la función de prensa de “Un enemigo del pueblo”, de
Henrik Ibsen, en el emblemático Teatro Regio, en donde el joven actor, director y autor Lisandro Fiks, a cargo de la adaptación, traducción, música original y dirección, tomó el texto original del autor noruego, que data de 1882, adaptándolo a este 2018, y el resultado es sencillamente magnifico. La vigencia de la puesta (y lo que en ella sucede) no pasa desapercibida y plantea, con inteligencia e ironía, cuestiones tan actuales como relevantes: el bien y el mal, lo correcto y lo que no lo es, la búsqueda constante del beneficio personal en detrimento de los otros, el poder, el autoritarismo disfrazado de democracia, y la miseria existente en las relaciones humanas.

 

“Un enemigo del pueblo” es de esas puestas que penetran y sorprenden al público gratamente durante el desarrollo de cada uno de sus cuadros. Con acertadas decisiones sobre la escenografía, y una dirección de actores llena de detalles, Fiks, junto al equipo creativo de la puesta, dispone de todo lo que está a su alcance para que cada uno de los actores logre destacarse, y junto con ellos, el texto, tan vigente en estos tiempos, que el aplauso espontáneo de la audiencia, no sorprende ni estorba, sino que complementa.

 

Por parte del sólido elenco, encontramos a un Juan Leyrado en un protagónico estupendo, quien atraviesa momentos únicos sobre las tablas junto a Raúl Rizzo, en escenas en donde la rivalidad crece desde un desacuerdo, hasta el límite al que puede llega la miseria humana. Ambos actores representan los opuestos que Ibsen plantea, y con esto, el principal conflicto de la puesta, alrededor del cual circularán todos los demás personajes. Completan el equipo de actores, Edgardo Moreira (Velasco), siempre brindando en cada trabajo que realiza, roles compuestos con calidad, Viviana Puerta (Juana), Bruno Pedicone (Víctor) y Romina Fernándes (Paula), quien efectúa un trabajo muy disfrutable en un personaje que lesienta muy bien: aguerrida, idealista y comprometida con lo que piensa.

 
De los elementos técnicos, todos ejecutados y pensados de manera armoniosa, destaco al grupo de músicos, compuesto por Rodrigo Soko (flauta), Santiago Martinez (violín),
Lisandro Fiks (contrabajo) y Emanuel Gaggino (batería), quienes con precisión ejecutan piezas que realmente acompañan el clímax instalado por la obra, sumando intensidad al relato.

“Un enemigo…” es una obra que no distingue entre un público joven o adulto, ni tampoco pretende bajar una línea política, más allá de que el teatro es político casi por definición. En esta oportunidad, Ibsen “vive” gracias a Fiks. Algunas de las reflexiones y preguntas que se hacen durante la puesta, encuentran respuesta, mientras que otras, se generan a medida que la misma transcurre. Una experiencia entretenida, y a la vez inquietante, TEATRO, con todas las letras.

Calificación: Excelente.

( Esta reseña fue publicada en Chapeau Argentina)
Fotos de Carlos Furman obtenidas en alternativateatral.com

 

 

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Ficha técnico artística (Alternativa Teatral)
Autoría:
Henrik Ibsen
Adaptación:
Lisandro Fiks
Versión:
Lisandro Fiks
Traducción:
Lisandro Fiks
Actúan:
Romina Fernandes, Juan Leyrado, Edgardo Moreira, Bruno Pedicone, Viviana Puerta, Raúl Rizzo
Músicos:
Lisandro Fiks, Emanuel kiki Gaggino, Santiago Martínez, Analía Rosenberg, Rodrigo Soko
Vestuario:
Micaela Sleigh
Escenografía:
Micaela Sleigh
Iluminación:
Agnese Lozupone
Música original:
Lisandro Fiks
Asistencia de iluminación:
Maria Cecilia Font Nine
Asistencia de vestuario:
Josefina Minond
Asistencia de dirección:
Rosana Rodríguez, Daniela Sitnisky
Dirección:
Lisandro Fiks

Duración: 100 minutos

TEATRO REGIO
Avda. Córdoba 6056 (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4772-3350
Web: http://www.complejoteatral.gob.ar
Entrada: $ 195,00 / $ 140,00 – Domingo – 20:00 hs
Entrada: $ 100,00 – Jueves – 20:30 hs
Entrada: $ 195,00 / $ 140,00 – Viernes y Sábado – 20:30 hs

Teatro: “Miedo”, de Albert Plá

«MIEDO», de y con Albert Pla, es una invitación diferente que rompe con el esquema clásico de una obra de teatro y que propone al espectador, un encuentro particular con la escena. En el marco de la temporada internacional (España – Argentina), que ofrece el Complejo Teatral de Buenos Aires, esta obra, montada en el Teatro Regio nos permite reflexionar como espectadores- desde un enfoque único-

problemáticas universales como la niñez, la adolescencia, los temores, la muerte, el mas allá, y el camino, a veces tortuoso, que significa crecer.

En el desarrollo de la trama, Albert Plá se encuentra solo en escena, pero acompañado durante la pieza, por unas enormes pantallas que- a su alrededor-, y gracias al trabajo de arte de MONDONGO (Juliana Lafitte y Manuel Mendanha), recrean paisajes reales y fantásticos que complementan el relato. Desde la niñez, y transcurriendo las diferentes etapas del crecimiento, el niño personificado por Plá contará en primera persona sus propias experiencias, haciendo partícipe al público de sus propios pesares, oscuridad y descubrimientos.

Por momentos, Plá sale de su personaje e intercambia con el público ciertas cuestiones, que como humanidad nos atañen, y, a través de preguntas que se dibujan en la pantalla, e imágenes que ilustran el discurso, dejamos por momentos de ser simples espectadores para transformarnos en sujetos activos de la dinámica teatral que lejos está, conceptualmente, de cualquier otra obra de la escena porteña.

La pieza, desde su inicio, y durante todo su desarrollo, mantiene un clima de intimidad que vive en el cuerpo del protagonista y se transmite al del espectador, que atraviesa cada parte del relato expectante de lo que acontece. Atento. Curioso.

Los múltiples personajes que interpreta Albert Plá son universales. Un niño con miedo puede ser ese niño, o cualquier espectador. La idea es identificarse en ese viaje personal. Como la vida misma, por momentos llena de risas, pero por otras, abundante en dudas, tropezones, y deseos.

«Miedo» nos permite a todos, pensar: acción que no muchas obras proponen. Pensar en nuestras propias vidas, y en la de los otros alrededor nuestro. La forma en la que se construye el relato es 100% sensorial: desde lo visual, y lo musical, la pieza es poesía pura. Su particularidad, atrapa.

El trabajo de Plá es muy valioso. El actor, desde el primer minuto, con su singular decir, nos introduce en un universo tan mágico, como crudo. Su trabajo, junto con el diseño de Nueveojos y Mondongo, y la dirección de Pepe Miravete, es digno de los fervorosos aplausos recibidos, y de llenar, en cada función, una sala como la del Teatro Regio.

Con mucha música, canciones, e imágenes tridimensionales, «Miedo» es una puesta única que sorprende y rompe con esquemas. Algo que en nuestra escena es necesario que suceda.

Opinión: Excelente

( Esta crítica fue publicada el 26/02/2018 en Chapeau Argentina)

Fotos Exclusivas de CvP – Fotografía (Carla PEREYRA).

MIEDO

Ficha técnico artística

Idea:

Albert Pla

Intérpretes:

Albert Pla

Escenografía:

Cube.bz

Diseño De Sonido:

Judit Farrés

Visuales:

Nueveojos

Post Producción De Sonido:

Judit Farrés

Música original:

Albert Pla, Raül Refree

Operación de sonido:

Kei Macias

Promoción teatral:

Agustin Pablo

Producción:

Agustin Pablo

Coordinación de producción:

Diana Glusberg, Pedro Paramo

Dirección técnica:

Xavier Gibert

Dirección:

Pepe Miravete

Web: https://complejoteatral.gob.ar/

Duración: 85 minutos

TEATRO REGIO

Avda. Córdoba 6056 (mapa)

Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Reservas: 0800 333 5254

Web: http://www.complejoteatral.gob.ar

Entrada: $ 250,00 – Domingo – 20:30 hs – Hasta el 11/03/2018

Entrada: $ 250,00 – Jueves, Viernes y Sábado – 21:00 hs – Hasta el 11/03/2018